2019

La joute orale et improvisée dans le sud de l'Espagne

Le trovo est une joute orale improvisée et chantée pratiquée dans le sud de l'espagne. deux poètes, les troveros, s'affrontent verbalement sur un sujet et devant un public. ces joutes ont lieu lors de longues veillées veladas troveras, dans le cadre plus rituel d'une fête patronale, lors d'enterrements ou encore lors de festivals. le public se compose d'aficionados ; toujours averti, il joue un rôle très important. il est le juge et sa mémoire ne lui fait jamais défaut pour saluer bien haut les improvisations audacieuses.

Le virelai et la danse au XIVe siècle

Ce travail de recherche vise à étudier la forme virelai et, plus largement, les formes de type 'aab b' (où b sert donc également de refrain et arrive indifféremment avant ou après le couplet) et à analyser les œuvres pour tenter de comprendre les rapports que conserve le virelai avec la danse et les autres genres musicaux présentant une forme musicale similaire.

Les situations d’invention musicale collective et leur guidage.

Comment amener les élèves à s’approprier le musical en partant de leur mouvement spontané vers le monde sonore ? Cette interrogation est au cœur de nombreuses pratiques enseignantes. En dégageant une intelligibilité des relations intersubjectives à l’œuvre dans ce type de démarches pédagogiques, cette recherche apporte une contribution à une didactique de la créativité en musique.

Étude méthodique de l'ensemble des dimensions constitutives de l'écriture du rythme et de leur perception

Étude méthodique de l’ensemble des dimensions
constitutives de l’écriture du rythme et de leur
perception

Mon projet de doctorat propose trois approches fondamentales concernant la
recherche, le développement et l’expérimentation de l’ensemble des dimensions
constitutives de l’écriture du rythme et de leur perception.

Texte sonore et notation graphique : Aspects intersémoitiques et énonciatifs

Ce travail est dédié à l’analyse des partitions graphiques et de l’interaction son-image qui en résulte.

Web sémantique et Musicologie Numérique : l'étude de l'évolution des instruments à percussion et leur interprétation en utilisant des techniques du web des données au service du patrimoine culturel.

Cette thèse se situe à l’intersection de la musicologie, des humanités numériques et de la représentation des connaissances. En musicologie, nous étudierons l’évolution des instruments à percussion et des techniques d’interprétation au Moyen Âge et à l’époque Baroque. En représentation des connaissances, nous nous proposons de construire un modèle basé sur les données ouvertes liées (Linked Open Data, ou LOD) pour soutenir la création de connaissances dans le domaine du patrimoine culturel.

Le Quintette instrumental de Paris dans l’entre-deux guerres : rôle et pérennité d’une formation atypique

Fondé en 1922 par le harpiste Pierre Jamet, le Quintette Instrumental de Paris s’impose très vite comme un ensemble atypique et résolument moderne. Composé d’un violon, d’une flûte traversière, d’un alto, d’un violoncelle et d’une harpe, il s’inscrit dans la continuité des nouvelles expériences timbriques amorcées par Debussy dans la Sonate pour flûte, alto et harpe (1917).

Rythme dansé, rythme musiqué, dans les pratiques spectaculaires indiennes

 Le Yakșagāna (Inde du Sud)


Le Yakșagāna (de yakș "vouer un culte" ou jakka "êtres célestes" et gāna "chant, musique") est un art total pratiqué majoritairement par les hommes de la région du Karnataka en Inde du Sud et plus précisément dans les districts de Dakshina Kannada, Uttara Kannada, Shimoga, Chickamagalur, Coorg ainsi que la partie septentrionale du Kérala.

Etude des exemples de diminutions dans la fontegara de Silvestro Ganassi

Les exemples de diminutions écrits par Silvestro Ganassi dans sa Fontegara, publiée à Venise en 1535, représentent, dans le domaine des proportions et subdivisions, un sensible écart avec tous les autres exemples publiés en Italie au XVIe siècle. Dans les écoles vénitienne (Dalla Casa et Bassano), lombarde (les Rognonis),  napolitaine (Ortiz), tous les exemples de diminutions sont limités à deux proportions différentes, et les subdivisions rythmiques sont assez simples notamment par l’absence de syncopes dans le jeu mélodique. À l’inverse, l’écriture de Silvestro Ganassi joue avec quatre proportions différentes, notamment les proportions à cinq et à sept, et avec une grande diversité de subdivisons et des syncopes complexes. Cette écriture suggère une façon d’exprimer le « tempo rubato », qui était probablement une pratique courante à l’époque. Mais d’où vient et où va cette tradition de diminution ?
Cette thèse propose d’explorer l’hypothèse selon laquelle les modes d’ornementation et de diminution proposées par Silvestro Ganassi ne représenteraient pas le début d'une nouvelle tradition, mais la fin d'une autre, comme l'Ars Subtilior de Matteo da Perugia et de Paolo da Firenze. Si la publication de La Fontegara est éloignée temporellement de plusieurs dizaines d'années des dernières pièces, aujourd’hui connues, composées dans le style de l'Ars Subtilior, il est possible de rechercher un  fil conducteur entre ces deux traditions, si proches au niveau de la diversité et de la complexité des proportions et des subdivisions. Pour tenter de vérifier cette hypothèse, deux méthodes seront suivies : la première est une étude des sources théoriques et historiques dépouillées à Venise ; la deuxième est une analyse musicale comparative des œuvres du corpus établi.

La place de la musique dans l'enseignement juif médiéval : analyse du discours sur la musique dans les textes hébreux provençaux et espagnols (1167-1505)

Au vu des monographies récentes portant sur les sciences juives médiévales, Musique est la petite sœur oubliée. Elles sont héritées des sciences, de la méthode philosophique et de la partition du savoir arabes, qui constituent un enseignement où la musique est pourtant inscrite. Elle apparaît notamment dans des classifications arabes des sciences, et des traités lui ont été consacrés, dont certains sont fameux. À en juger par les textes hébreux médiévaux qui nous sont parvenus, les textes arabes ont influencé le discours juif sur la musique.

Analyse éthologique et édition critique de 'Théagène et Chariclée' (1695)

Inspiré par le concept d'èthos (äqos) développé dans la poétique et le huitième livre de la politique par aristote, l'analyse 'èthologique' appliquée à la tragédie mise en musique se développe en trois domaines d'investigations complémentaires et sine qua non à son aboutissement. le premier de ces éléments est relatif au domaine des passions et, en termes plus généraux, à la psychologie des personnages.

L'influence de la musique savante occidentale dans le rock progressif.

La musique, quelle soit savante ou populaire, se construit et vit au travers des interactions entre les différents genres musicaux qui la composent, et les différentes cultures qui la croisent. Elle est également -en paraphrasant Kandinsky-, « l’enfant de son temps », et évolue selon les ères culturelles. Le rock progressif, un genre musical né dans les années 1960, revendique ainsi une rupture avec les genres musicaux populaires qui le précèdent, et aspire à la reconnaissance d’une certaine respectabilité, mise à mal par certains artistes de pop music.

L'Arrullo : une rencontre patrimoniale. L'exemple de Guapi et Cali

La notion de Patrimoine Culturel Immatériel (PCI) ou patrimoine vivant (selon les pays où elle est utilisée) est présente de plus en plus dans les discours liés à la musique traditionnelle. Les chants rituels, de la côte Pacifique colombienne, ne font pas exception. Ils font désormais partie de la liste représentative du Patrimoine Culturel Immatériel de l'Humanité de l'UNESCO.

Manuel de Falla et le théâtre musical : du processus compositionnel à la réalisation scénique

L’œuvre de Manuel de Falla est marquée par la scène. Depuis la pantomime jusqu’au ballet, en passant par les musiques de scène, l’opéra et le théâtre de marionnettes, le compositeur est à la recherche de différentes formes d’expression scénique de la musique. Ces recherches s’inscrivent dans une forte dynamique culturelle européenne. Les compositeurs de la première moitié du XXe siècle explorent en effet de nouvelles formes opératiques en réaction au gigantisme dramatique et orchestral de l’opéra wagnérien. Qu’est-ce que le théâtre musical à l’époque de Falla ?

L’Art de la viole de gambe d’Eustache du Caurroy à Michel Corrette (1610-1773) : du concert de violes à la pièce soliste virtuose

Le jeu de la viole de gambe devient un art aux XVIIe-XVe siècles en France. Notre premier travail consiste à élaborer un bref catalogue des sources pour viole de gambe française dans la période mentionnée ci-dessus. Ce Catalogue est l’outil essentiel pour un questionnement sur le répertoire de la viole de gambe de 1610 à 1773, périmètre qui inclue l’apogée et le déclin de l’instrument.

L'oeuvre musicale et critique de Victorin Joncières (1839-1903)

    En ce XXIe siècle, l’œuvre de Victorin Joncières est tombée dans l’oubli et sa musique s’efface de la mémoire collective. Bien que remarquable compositeur appartenant à l’école française de la seconde moitié de l’ère romantique, Joncières fut davantage connu comme critique musical sous la Troisième République. En effet, il signa pendant près de trente ans de nombreux articles et se décrivait comme un wagnérien des premières heures.

Les Quintettes à cordes de George Onslow : analyse, style et actualité

Onslow (1784-1853), français de naissance, est issu d'une famille de la noblesse anglaise. ses œuvres connurent de son vivant un grand succès éditorial en europe. de 1820 à 1850 il fut de loin le compositeur le plus prolixe en quintettes et en quatuors. ses quintettes présentent des particularités et des traits communs. c'est pourquoi leur étude globale est justifiée.

Saint-Saëns et le Japon ; Considérations sur le japonisme dans l’œuvre du compositeur

« Saint-Saëns et le Japon ». Ce compositeur français (1835-1921) a toute sa vie durant entretenu un intérêt soutenu pour le Japon. Il s’est rendu célèbre comme « orientaliste » avec des œuvres telles que Samson et Dalila, la Suite Algérienne et le cinquième Concerto pour piano, dit l’Egyptien. Toutefois, son engouement pour le Japon n’a pas encore fait l’objet d’une étude approfondie, car son corpus musical ne comporte qu’une œuvre y étant dédiée, un opéra-comique intitulé La Princesse Jaune (1872).

L'écoute intérieure et l'interprétation pianistique : Thème et variations sur les processus phénoménologiques et cognitifs

 

  Ma recherche se situe dans le domaine de la musicologie systématique et souhaite proposer une discussion théorique autour de l’audition intérieure et de l’intelligence du corps dans l’élaboration du geste instrumental. Faire de la musique, c'est impliquer entièrement l'être. C'est un processus complexe qui s’appuie sur de multiples facteurs et fait appel à nos capacités cognitives (perception, intelligence, mémoire, motivation...) dans leur globalité.

Tradition mélodique dans les pontificaux manuscrits notés du diocèse de Sens (XIe-XVIe siècle).

L’évêque, dignitaire sédentaire nommé par le pape, incarne l’unité souveraine de l’église au niveau local : « Dès les premiers siècles chrétiens, la fonction épiscopale figure au premier plan au sein des institutions de l’église ». Il use de divers ouvrages nécessaires au bon exercice de son ministère, à la fois pastoral, spirituel et liturgique. Un recueil essentiel, au sein de cette offre pléthorique, répond à son usage propre : il s’agit du pontifical, renfermant rituels et bénédictions dont l’évêque se doit d’être l’officiant exclusif.

Al-Adhan : appel à la prière en Islam et témoin pur du 'maqam'

L’appel islamique à la prière al-ādhan se pratique continuellement dans chaque mosquée, cinq fois par jour. Il indique aux musulmans les heures de la prière et ceux du jour : ṣubuh à l’Aube, ẓuhur à midi, ‘aṣur l’après-midi, maghrib au crépuscule, et ‘isha pour le soir. En tant que phénomène social, l’ādhan régule l’activité commerçante et ouvrière de la société et crée un contexte de rassemblement constant pour la communauté. La voix humaine est le seul instrument jouissant de cette ordonnance.

La musique carranguera en Colombie : une construction sonore et poétique identitaire de Boyacá

Nous pouvons définir la musique carranguera, comme une synthèse et une réinterprétation qu’a fait Jorge Velosa et les carrangueros de Raquira depuis les années soixante-dix, de la culture des paysans de la région centre-orientale de la Colombie. Ce recueil d’éléments se porte principalement sur la musique, mais il y a aussi eu une recherche importante sur le patrimoine oral, à travers la poésie, les récits et les proverbes et plus généralement tout le discours rendant compte de la pensée et du comportement des habitants de la région.

Représentation et contrôle dans le design interactif des instruments de musique numériques.

Contexte

Les instruments de musique numériques naissent d’une volonté d’étendre les capacités musicales des instruments acoustiques. Ils sont généralement conçus de façon modulaire et tirent parti des recherches dans le domaine de l’informatique, de l’acoustique et de la musicologie.

La politique culturelle aux Emirats Arabes Unis

Dans la société émirienne, en pleine mutation, ayant bénéficié d’un développement économique extrêmement rapide qui a amené un changement radical des modes de vie dans l’espace de seulement deux générations, la culture et le patrimoine jouent un rôle majeur de repère et de gardiens des valeurs sociales et de l’identité nationale. Ce rôle est d’autant plus central face aux défis de la mondialisation, dans la gestion des changements sociaux rapides à venir.

Les cantillations de la Bible hébraïque dans les communautés juives parisiennes contemporaine

 

L’objectif de la recherche proposée est d’étudier les rites actuels de cantillation de la Thora que l’on peut entendre dans les synagogues parisiennes.

La bombarde à pavillon cylindrique dans l’iconographie du XIV et XV siècles

Entre 1380 et 1435, on peut observer sur de nombreuses représentations des bombardes au pavillon cylindrique. Cet instrument est généralement accompagné d’une ou plusieurs trompettes et des fois aussi d’une chalemie à pavillon évasé.

La musique dans les archives du Parlement de Paris au XVIe siècle

Cette thèse propose de parcourir les sources d'époque du Parlement de Paris au XVIe siècle à partir de la collection Jean Le Nain (XVIIe siècle) et d'étudier le regard que porte l'institution juridique la plus prestigieuse de l'époque sur la musique entre 1500 et 1600.

Portrait de docorant : http://www.paris-sorbonne.fr/Nancy-Hachem
 

L'art du comédien de théâtre classique vietnamien

Le théâtre classique vietnamien hát bội s’inscrit dans la tradition des théâtres chantés et dansés d’Asie. Art très prisé jusqu’au XIXe siècle, le théâtre classique a été peu à peu supplanté par les nouvelles formes scéniques nées au XXe siècle : le théâtre rénové hát cải lương et le théâtre parlé kịch nói. Le hát bội perdure de nos jours au sein des fêtes rituelles organisées par les temples communaux lors de la saison sèche, où les troupes de théâtre classique sont invitées pour effectuer des rituels propitiatoires et divertir la population locale.

La danse kagura dans le rituel shintoïste (Japon)

1) Problématique

L’objectif de cette recherche est d’étudier l’effet sonore dans les rituels villageois au Japon, notamment les rituels shintoïstes.

Problématique

Les écoles de musiques arabo-andalouses, du Maghreb au XXème siècle: des évolutions différenciées

 
{{Thèse :} {LES ÉCOLES DE MUSIQUES ARABO-ANDALOUSES, DU MAGHREB AU XXÈME SIÈCLE: DES ÉVOLUTIONS DIFFÉRENCIÉES.}

Directeur de recherche : François Picard

L’harmonium d’art : facture et répertoire pour un instrument de concert et de salon

L’harmonium (Debain, 1842) est conçu lors de son invention comme un instrument de salon. Rapidement, en raison de sa ressemblance avec l’orgue (instrument à vent polyphonique) il prend place dans l’église à laquelle il reste associé encore aujourd’hui.

Étude méthodique de l'ensemble des dimensions constitutives de l'écriture du rythme et de leur perception

Mon projet de doctorat propose trois approches fondamentales concernant la recherche, le développement et l’expérimentation de l’ensemble des dimensions constitutives de l’écriture du rythme et de leur perception.

 

Structures et modalités de symbolisation dans la notation rythmique proportionnelle de l'Ars Nova français autour de Baude Cordier

résumé du projet de thèse
Dans cette thèse, nous tenterons de comprendre le contexte culturel de l'usage de la notation proportionnelle dans des œuvres de Baude Cordier, Amans ames secretement, Tout par compas, Belle bonne sage et dans les pièces dites "à canon" du Manuscrit de Chypre (Tor., B.U., J. II. 9).

L’école française des vents durant la Belle Époque

Depuis un siècle et demi, les instrumentistes à vent français bénéficient d’une aura particulière ; dès la fin du XIXe siècle, leur renommée dépassa les frontières hexagonales car nombre de musiciens firent leur carrière en Angleterre et aux États-Unis. Le travail de recherche que je souhaite mener se propose d’étudier l’École française des vents (plus précisément les instruments du quintette à vent) durant la Belle Époque en prenant appui sur les archives du Conservatoire, la presse et les enregistrements sonores. 

 

"Les musiques pour la liturgie des morts dans les provinces du Nord sous l'Ancien Régime : les œuvres funèbres de Pierre-Louis Pollio (1724-1796). Etude et édition critique"

Natif de Dijon, Pierre-Louis Pollio (1724-1796) occupa plusieurs postes de maître de musique dans des établissements ecclésiastiques situés dans le nord-est de la France et jusque dans le Hainaut belge. Véritable maître de chapelle, il fut chargé pendant quarante ans de la composition des pièces pour l’office, ainsi que de l’enseignement de la musique, du plain-chant et du contrepoint.

Le méta-opéra baroque (1715-1744). Satire et parodie comme sources d'informations sur la pratique musicale au XVIIIème siècle

L'opéra, ou melodramma, est l'un des phénomènes culturels les plus importants de l'Italie du XVIIIe siècle. D'après Des Brosses, en cette époque ce genre semblait même être plus populaire que le théâtre parlé. L’importance et la popularité du melodramma dans la vie sociale et culturelle d'Italie étaient telles que de nombreuses parodies et satires musicales ont été écrites sur ce genre. Au XVIIIe siècle, ces opéras sur l'opéra ont acquis une telle importance, qu'ils constituèrent un « micro-genre » en soi. Des nombreux musicologues affirment que ce « micro-genre » a existé de 1715 (avec La Dirindina de Domenico Sarro, le premier du genre) à 1827 (avec Le Convenienze e l'inconvenienze teatrali de Gaetano Donizetti, considéré le dernier). Ces opéras sont surnommés, dans la littérature musicologique, metaopera ou metamelodramma.
L'objectif du projet est d'analyser les parodies et satires ayant pour sujet le métier des musiciens et chanteurs actifs dans l'opéra, du point de vue des musiciens eux-mêmes. Ceci permettra de découvrir des références se rapportant à la pratique, les habitudes ou les clichés de la profession (pratiques musicales, situation sociale des musiciens, etc.), qui ne figurent pas forcément dans les sources historiques et critiques habituelles.
L'analyse de ces œuvres fournira une opportunité de plonger dans l'univers de la production musicale du XVIIIe siècle, celle-ci étant parodiée et critiquée par la satire avec son propre langage, ses propres acteurs et protagonistes. Ces œuvres, malgré leur caractère caricatural, constituent une réflexion des musiciens, librettistes, compositeurs et autres acteurs de la scène musicale sur leur propre profession, et éclairent de manière comique et vivante la situation du métier au XVIIIe siècle.

L'opéra, ou melodramma, est l'un des phénomènes culturels les plus importants de l'Italie du XVIIIe siècle. D'après Des Brosses, en cette époque ce genre semblait même être plus populaire que le théâtre parlé. L’importance et la popularité du melodramma dans la vie sociale et culturelle d'Italie étaient telles que de nombreuses parodies et satires musicales ont été écrites sur ce genre. Au XVIIIe siècle, ces «opéras sur l'opéra» ont acquis une telle importance, qu'ils constituèrent un «micro-genre» en soi.

Le chant du possédé Etude du pouvoir des manifestations vocales divines. Du cri, du chant et de la parole dans les rituels de possession Umbanda

Résumé du projet de recherche
« Les cas de possession expriment un rapport direct des Voix avec
le corps, non pas avec le visage. (…) Les « primitifs » peuvent
avoir les têtes les plus humaines, les plus belles et les plus
spirituelles, ils n’ont pas de visage et n’en ont pas besoin »
Gilles DELEUZE et Félix GUATTARI, Mille Plateaux. p216
Dans les années 1930, le candomblé (religion afro-brésilienne pratiquée dans le Nord-Est
du Brésil), considéré comme un culte arriéré, souffrit des persécutions. À la même époque, une

Résumé du projet de recherche

L'oeuvre de chambre de Gabriel Fauré: essai de caractérisation stylistique

Les avis divergent sur le style personnel de Gabriel Fauré (1845-1924) : certains divisent l’œuvre fauréenne en fonction des époques et suivant son activité créatrice, d’autres remarquent qu’une homogénéité de style traverse toute son œuvre, d’autres enfin jugent son style inexprimable et rétif à l’analyse. Bien qu’inspiré par la tradition franco-germanique, l’œuvre de chambre de Fauré s’évade en effet de tout modèle.

Évolution du langage musical de l’istikhbâr en Tunisie au XXe siècle : Une approche analytique musico-empirique

Cette thèse esquisse une réflexion autour de la mutation du langage musical de l’improvisation instrumentale du type istikhbâr en Tunisie à travers le XXe siècle. Une des raisons qui sont à l’origine de cette mutation consiste à la théorisation de la musique tunisienne, intervenue au congrès du Caire de 1932. L’aspect le plus contraignant de ce congrès consiste à adopter une échelle musicale composée de vingt quatre notes équidistantes à l’octave, obtenues par la subdivision de chaque intervalle de demi-ton en deux quart de tons.

Les ballets à action suivie sur la scène de l'académie royale de musique de 1665 à 1714 : la danse et la comédie

Ce travail est consacré à l’étude du personnage allégorique de la Folie sur la scène de l’Académie Royale de Musique entre 1697 et 1718. Qu’il soit suggéré ou personnifié, ce caractère féminin est abondamment présent dans les spectacles de cette période. A la fin du règne de Louis XIV, la Folie fait peu à peu son entrée à l’Opéra. Entourée de Momus, du Carnaval, de Bacchus, de l’Amour et des personnages de la commedia dell’arte, la Folie « ramène les tendres Jeux », « chasse la Raison cruelle » et invite sans cesse à « goûter les charmes de la vie ».

Compositeurs français à l'heure allemande (1940-1944) : le cas de Marcel Delannoy

Si la vie musicale en France sous l’Occupation est aujourd’hui un champ de recherche bien balisé, le parcours de l’un des compositeurs majeurs de cette période, Marcel Delannoy (1898-1962), n’avait encore fait l’objet d’aucune étude approfondie. Appuyé sur un large éventail de sources, dont le riche fonds Delannoy conservé à la Bibliothèque nationale de France, ce travail vise à combler cette lacune en situant Delannoy dans le contexte plus large d’une génération particulièrement exposée sous Vichy.

Pour une approche sociomusicologique des processus de création musicale « Faire la musique » en natation synchronisée

Huit paires de jambes jaillissant de l’eau simultanément et scandant des mouvements identiques au rythme fulgurant d’une musique entraînante. Voilà ce que l’on retient généralement des ballets de natation synchronisée que proposent les retransmissions télévisées d’épreuves sportives internationales. Alors que les journalistes et les spectateurs témoignent de leur émerveillement face à ces réalisations, on pourrait légitimement s’interroger sur la teneur musicale, entre collages, arrangements et compositions inédites, de ces manifestations sportives.

L'oeuvre de Jan De Vaclav Hugo Vorisek (1791-1825) dans la production pour piano de son époque et son interprétation aujourd'hui

Jan Václav Hugo Voříšek (1791 – 1825) a une importance réelle dans l'histoire de la musique notamment pour avoir fondé le genre de l'impromptu, et sa musique, au style résolument visionnaire en plusieurs points, est de qualité. Elle peut de plus séduire le public d'aujourd'hui pourvu qu'on la joue bien. La présente thèse souhaite combler trois lacunes : un travail dans le domaine de la thèorie de l’interprétation, une édition critique commentée, et la réalisation d’un travail de recherche appliquée – l’enregistrement intégral sur un instrument approprié.

Sigismondo d'India et les rapports franco-italiens dans la monodie à la cour de Turin (1611-1623)

Sigismondo D’India (1582 ?-1629 ?), contemporain de Claudio Monteverdi, est un compositeur parmi les plus importants du début du XVIIe siècle : l’un des pères fondateurs de la musique moderne. La présente thèse entend le situer dans un contexte qui nécessite d’être rappelé et mis à jour, celui de la cour de Turin où le musicien s’est établi de 1611 à 1623, période la plus fructueuse de sa carrière musicale dont l’étude s’organise autour de trois problématiques : la musique, le mécénat et l’identité nobiliaire.

Etre compositeur en Inde du sud: le krti chez les saints poètes musiciens de la Trinité carnatique

Cette présente recherche se propose d’aborder d’un point de vue musicologique et anthropologique la problématique de la fonction et du statut du compositeur - comme celle de son influence et de son style - au sein de la tradition musicale classique de l’Inde du Sud à travers ses trois plus grands représentants : Śyāmā Śastri (1762/63 – 1827), Tyāgarāja (1767-1847), Muttusvāmi Dīkṣitar (1775-1835). Elle se concentrera sur la forme reine de la musique classique carnatique que ces trois musiciens ont portée à son apogée : le kṛti

Les tendances du répertoire pour piano au tournant du XXème et du XXIème siècle

Tout au long de leur histoire, les Japonais ont cultivé précieusement leurs propres traditions, tout en assimilant les cultures voisines, celles d’Asie continentale (Chine, Corée), puis celles apportées par l’Occident. Pourtant, aujourd’hui, au début du XXIe siècle, leur vie quotidienne est marquée par le mode occidental et il nous semble que « la tradition japonaise » commence à tomber en désuétude. Le mot « tradition » prend même une couleur exotique à leurs yeux, et désormais, ce sont les Occidentaux qui tournent leur regard vers la tradition japonaise.

Les arcs musicaux d’Afrique dans quelques musées d’Europe : Une étude organologique, acoustique, musicologique, muséologique et ethnologique.

Si dans son aspect physique l’arc musical est simple, à l’issu de notre étude, nous nous rendons compte qu’il n’est plus indiqué de le qualifier comme tel. Car dans sa forme fondamentale (branche arquée maintenue dans cette position par une lanière), il renferme une complexité qui se dévoile à nous par les liens qui existent entre les différents éléments qui composent l’arc. Sa complexité est également apparente dans la variété des arcs musicaux, dans le jeu propre à chaque arc et dans la divergence des techniques et circonstances de jeu.

Le Temple de la Gloire, une collaboration entre Rameau et Voltaire

Nous nous proposons d'établir une édition critique du temple de la gloire, opéra de rameau sur un livret de voltaire, et d'en faire un commentaire. la seule édition du temple de la gloire, inédit au xviiième siècle, date de 1909. a bien des égards, elle ne satisfait plus aux exigences de la musicologie moderne. surtout, la découverte récente du manuscrit de la première version de cet opéra, conservé à berkeley (ca, usa), impose une nouvelle étude de l'oeuvre, sous la forme d'une monographie.

Méthodes actives et éducation musicale en Chine, la construction du nouveau système

Cette thèse concerne la tentative de construction ce que l’on appelle "Nouveau système". Cette méthode est en cours d’élaboration, avec une certaine discrétion, principalement au Conservatoire central de Pékin. Ce "Nouveau système", qui semble s’inspirer de trois méthodes actives européennes (méthodes Dalcroze, Orff et Kodaly), cherche une voie adaptée à la situation de l’enseignement chinois actuel. Cela fait partie de la « réforme du système éducatif d’Etat » du gouvernement chinois.

Ghâyatu al-surûri wal-munâ’… Un traité didactique représentatif du mâlûf tunisien (durant la deuxième moitié du XIXe siècle)

La présente recherche se traduit par une étude critique, analytique et comparative combinée à la transcription de tout le corpus musical du mâlûf tunisien tel qu’il nous a été transmis dans un ouvrage datant de 1871 intitulé Ghâyatu al-surûri wal-munâ’ al-jâmi‘u li-daqâ’iqi raqâ'iqi al-mûsîqâ wal-ghinâ (Bien-être et bonheur parfait par le raffinement de la musique et du chant). Ce document représente une référence unique pour mieux percevoir la réalité musicale de l’époque mais aussi pour une meilleure approche comparative quant aux différentes mutations que la musique tunisienne a pu connaître durant la deuxième moitié du XIXe siècle et ce à divers niveaux dont celui de la terminologie, de l'instrumentation, de l'interprétation et du corpus aussi bien vocal qu'instrumental …

Le style hongrois entre apparence et réalité : la Hongrie et la musique hongroise sur la scène française au 19e siècle

La réception et la représentation de la musique hongroise en France au XIXe siècle est un sujet méconnu et non traité dans la littérature musicologique. La thèse ici présentée a l’ambition de combler ce manque. Elle s’organise autour de deux axes principaux. Le premier est l’étude critique des textes qui présentent la musique hongroise et l’art des orchestres tziganes ayant propagé ce corpus sous divers aspects.

La nawba algéroise : de l'analyse à la classification

La nawba représente la partie savante de ce qui est appelé communément « musique arabo-andalouse » dans tout le Maghreb (Maroc, Algérie, Tunisie et Lybie). La nawba est une suite de pièces vocales et instrumentales qui alternent selon un ordre bien établi. Elle se construit et s'organise autour de trois composantes : le cycle rythmique, le ṭab’ et le support poétique.Le répertoire des nawbât algériennes est représenté par les trois styles des trois grandes régions d'Algérie dont les capitales sont Tlemcen (l'Ouest), Alger (le Centre), et Constantine (l'Est).

Les indications musicales au 1er millénaire dans l'Orient chrétien : l'apport des papyrus grecs

Dans l'antiquité tardive, entre le VIe et le VIIIe siècle, on retrouve des traces de plusieurs systèmes d'aide-mémoire écrits pour faciliter la transmission orale de la musique liturgique chrétienne. En effet, des mentions d'initia, des indications modales et des signes de notations musicales primitives existent sur des papyrus conservant des hymnes chrétiennes. Après une présentation raisonnée de ces papyrus dans le premier chapitre de cette thèse, seront présentées plusieurs rétro-transcriptions des mélodies trouvées sur papyrus d'un genre particulier d'hymnes, les canons poétiques. Pour ce faire, différentes approches seront envisagées : la recherche des concordances entre les initia des papyrus et ceux transmis par les manuscrits médiévaux, une analyse métrique de cette poésie liturgique et enfin la comparaison des notations paléo- et médio-byzantines. Ces rétro-transcriptions pourraient ainsi permettre le déchiffrage ou la compréhension des indications modales et des signes de notation musicale incompris jusqu'à présent.

La légitimation d'une pop "indépendante" en France : The Divine Comedy d'après Les Inrockuptibles, une étude de cas

La réflexion proposée par ce travail s’inscrit dans le contexte d’une ascension symbolique du rock au sein du paysage culturel français, qui peut être rapprochée de celle que connaît le jazz de plus longue date. Ainsi le public français de la pop dite « indépendante » (ou indie pop) a-t-il principalement été recruté au sein d’une population étudiante, ou de jeunes actifs, qui peut être qualifiée de cultivée, partageant une même aspiration à se distinguer du goût le plus commun.

Musique et musiciens à la cour d'Henri IV (1589-1610)

Le règne d’Henri IV est incontestablement l’un des plus importants de l’histoire de France, et il n’est guère étonnant que les ouvrages qui ont été consacrés à ce monarque soient nombreux. En outre, la musique a également retenu un grand intérêt parmi les chercheurs, et des études précédentes ont apporté des éléments édifiants concernant plusieurs aspects de la vie musicale durant son règne.

Licht (1977-2003) de Karlheinz Stockhausen : Aspects autobiographiques et intertextualité

Licht. Die sieben Tage der Woche (1977-2003) est un cycle de sept opéras composés par Karlheinz Stockhausen (1928-2007) qui en a également conçu le livret. L'oeuvre a pour thème principal l'accomplissement du destin de trois esprits – Michael, Eva et Luzifer – dont le parcours est lié aux caractéristiques de chacun des sept jours de la semaine. Cependant, une multitude d'éléments se greffe sur le propos général et le rend presque inintelligible.

Étude analytique et comparative de trois modes maghrebins d'échelle commune

Le grand Maghreb a toujours été le creuset de rencontres et le carrefour de civilisations venues se mêler aux traditions des populations autochtones. Le patrimoine musical maghrébin est un élément important qui contribue à confirmer l'identité maghrébine. Cet héritage n’a cessé de s’enrichir au cours du temps ; et tout ce que nous écoutons aujourd’hui n’est que le fruit de brassages et de mélanges.

Les chemins du patriotisme : Musique et musiciens à Paris pendant la Grande Guerre

Résumé :
Comment les musiciens restés à Paris durant la Grande Guerre (car trop âgés ou dans l’incapacité de servir sur le front combattant) participent-ils à l’effort de la Nation contre l’ennemi allemand ? L’objet de cette thèse est d’explorer les multiples biais par lesquels les interprètes, musicographes et compositeurs du front domestique s’engagent (et engagent leurs compétences spécifiques) sur les chemins du patriotisme, entre le mois d’août 1914 et le mois de novembre 1918.

Summary :
The paths of patriotism : Musical life and musicians in Paris during the Great War 
How did the musicians who remained in Paris during the Great War (because of their age or their inability to serve in combat because of physical disability) take part in the nation’s effort against Germany ? This thesis explores the many ways in which performers, music critics and composers on the domestic front showed their commitment to and worked on behalf of the paths of patriotism, by using their specific skills, from August 1914 to Novembre 1918.

La tarentelle pour piano en France à travers les partitions éditées de 1828 à 1914

Cette étude porte sur un corpus de tarentelles pour piano éditées en France de la fin des années 1820 jusqu’à la Première Guerre mondiale. Cherchant à comprendre comment cette danse, originaire du sud de l’Italie, en est venue à occuper une telle place dans le répertoire pianistique français du XIXe siècle, l’auteur commence par évoquer ses origines présumées, entre catharsis et rituel de guérison, puis son évolution en une danse de divertissement.

La Migration des musiciens dans l'Europe des Lumières : le cas de Joseph Kohaut (1734-1777)

Cette thèse porte sur la carrière musicale de Joseph Kohaut (1734–1777), l’un des derniers luthistes dans l’Europe des Lumières. Appartenant à la deuxième génération des musiciens originaires des pays de la couronne de Bohême, ce luthiste, né à Vienne et décédé à Paris, représente un cas intéressant de la migration des musiciens au XVIIIe siècle. L’étude se consacre à la présentation des origines et de la famille proche du musicien (son père Jacob Joseph Kohaut et son frère aîné Karl Kohaut), ainsi qu’à la carrière musicale du luthiste proprement dite.

Le répertoire contemporain de l'accordéon en Europe depuis 1990 : l'affirmation d'une nouvelle identité sonore

Instrument privilégié des compositeurs d’aujourd’hui, l’accordéon est désormais doté d’un vaste répertoire de musique savante : que ce soit en solo, en musique de chambre, dans l’ensemble ou l’orchestre, la profusion des œuvres est le témoignage d’une intégration de plus en plus grande de cet instrument à la création musicale et l’orchestration contemporaine.

Cherished by many composers today, the contemporary accordion posseses a vast body of art music. Whether it be solo, chamber, ensemble or orchestral repertoire, the sheer abundance of works with accordion rightfully reflects a growing integration of the instrument within musical creation and contemporary orchestration.    

Le dernier Massenet. Esthétique dramaturgique et analyse musicale des oeuvres ultimes du compositeur.

Le dernier Massenet

Esthétique dramaturgique et analyse musicale des oeuvres ultimes du compositeur.

Après une observation plus attentive des œuvres qui recouvrent les quatre  dernières années de la vie de Massenet, de 1909 à 1912, j'ai découvert un travail extrêmement riche, où le compositeur semble conférer sagesse et essentialisme à son écriture.

Le mythe de Persée et Andromède : mythanalyse d'un palimpseste artistique du XVIIème siècle à nos jours

La thèse propose l'étude du mythe de Persée et Andromède à travers la peinture, la musique et la littérature selon une méthode de mythocritique et de mythanalyse comparée appliquée aux différents arts.
Il est fascinant de constater le nombre incroyable d’œuvres artistiques sur un seul mythe. Cette découverte amène à se poser la question de savoir pourquoi les mythes sont si passionnants pour les artistes. Cela est-il seulement dû à la richesse de ceux-ci ?

Pierre Joseph Guillaume Zimmerman (1785-1853) : l'homme, le pédagogue, le musicien

 Fils d’un facteur de piano, Pierre Joseph Guillaume Zimmerman (1785-1853), virtuose, pédagogue, compositeur et homme du monde, trouve sa place au sein d’une pléiade de promoteurs du piano et de la littérature pianistique. Son originalité réside dans la dualité que l’on distingue entre, d’une part, sa conscience de compositeur académique héritée de Cherubini et, d’autre part, cet esprit novateur que lui inspira la modernisation de la facture instrumentale dont il suivit et entérina l’évolution.

Born as the eldest son of a piano manufacturer, Pierre Joseph Guillaume Zimmerman (1785-1853) was one of the piano promoters in the first half of the nineteenth century, this can clearly be seen from his activities as a piano virtuoso, educator, composer and socialite. His unique role consisted of his dual occupation as a successor to Cherubini in academic composition, and also his role as a passionate supporter of the modernization of the piano.

Contribution à l'étude de la restauration de la musique d'Église au XIXe siècle au prisme de l'expérience de Félix Clément (1822-1885)

L’étude de la musique à l’église au XIXe siècle est une thématique de recherche en plein essor. Depuis quinze ans, les recherches menées ont permis d’appréhender ce large sujet et d’ouvrir les perspectives de recherche qui en découlent, mais une part de cette thématique reste encore à explorer. En effet, le mouvement de restauration de la musique d’église est à ce jour peu abordé de façon singulière.

Penser l'interprétation des sonates françaises pour piano et violon au XIXe siècle

La sonate française pour piano et violon connait une considérable évolution au cours du xixe siècle, depuis les exemples méconnus de l'empire et de la restauration jusqu'à la fin du siècle où son renouveau apparaît clairement. par une double approche, musicologique d'une part et d'interprète d'autre part, la thèse vise à appréhender le langage musical de différents compositeurs et leurs codes stylistiques implicites, pour les restituer au mieux.

Une sociomusicologie de la création : la pratique de la composition pianistique chez Déodat de Séverac

Comment un compositeur fabrique-t-il une œuvre musicale ? Comment ses logiques d’action sont-elles réinvesties dans la pratique de la composition ? Notre recherche de thèse vise à répondre à ces questions en étudiant la pratique de la composition pianistique chez Déodat de Séverac (1872-1921). Il s’agit de reconstruire la trajectoire et les expériences biographiques de ce compositeur, afin de redonner tout son poids au passé social et musical spécifique dont il est le dépositaire.

La représentation du religieux comme champ contextuel et vocation de la symphonie germanique autour de Mendelssohn et Schumann (1800-1850)

La première moitié du XIXe siècle germanique voit le sacré se déplacer de façon massive et multiple vers la sphère profane. Le vocabulaire, les schémas et les idéaux religieux se refondent dans le prisme historique pour pénétrer philosophie, littérature, arts visuels et musique. Dans un climat esthétique, politique et social tendu vers la Bildung, l’édification morale mais aussi religieuse de la société, la représentation communautaire devient l’objet privilégié de l’art.

The first half of the Germanic Nineteenth Century saw the shift of the religious expression in a massive and multiple way towards the profane sphere. Vocabulary, patterns and religious ideals are recast in the historical prism to enter philosophy, literature, visual arts and music. In a tense aesthetic, political and social climate to « Bildung », the moral and religious edification of society, the community representation becomes the privileged aim of art.

Les ornements dans les pièces pour clavecin seul de l'école française de 1670 à 1713: analyse et interprétation

L’ornement fait partie intégrante de la musique pour clavecin aux XVIIe et XVIIIe siècles. Ce doctorat aura pour objet l’étude des ornements dans les pièces pour clavecin seul, de la première édition connue de cette école : Chambonnières en 1670, au premier livre de François Couperin de 1713. Cette dernière date correspond à un tournant historique, celui de la fin du Grand Siècle et un tournant musical dans l’écriture des pièces de clavecin en France.

Les partitions pour pipa de Dunhuang, édition et interprétation

Pas de résumé disponible.

Les partitions pour pipa de Dunhuang, copiées sur les manuscrits conservés à la BnF et numérotés P. 3539, P. 3808 et P. 3719, datant de la fin de l’époque Tang et le début de l’époque Song, ont été collectées par Paul Pelliot en 1908 dans la grotte numéro 17 du site de Mogao. Elles ont été étudiées depuis déjà 75 ans par les plus éminents spécialistes, dont Hayashi Kenzo et Chen Yingshi. Il est admis qu’il s’agit d’une partition en tablature pour un luth pipa à quatre cordes et quatre frettes, tel qu’il existait à l’époque.

Approche du 'mouvement' du rythme musical par le mouvement graphique de l'auditeur

Le rythme musical est considéré ici sous l’angle particulier de son 'mouvement'. En l’absence de consensus sur la définition du rythme et d’une théorie scientifique bien établie sur le mouvement en musique, la thèse entreprend une approche théorico-empirique du 'mouvement' du rythme, une notion abstraite et un phénomène complexe. Différentes conceptions théoriques du mouvement sont exposées suivant que le rythme musical est considéré comme un concept, un phénomène ou une forme dynamique.

Processus de transmission de deux valeurs esthétiques dans le Gwoka, genre musical guadeloupéen : le « santiman » et la « lokans ».

JM Chouvel

http://www.theses.fr/s77288

Genre musical né en Guadeloupe au XVIIe siècle avec l’esclavage transatlantique, le Gwoka a été transmis de génération en génération. Quelques familles ont su préserver cette tradition musicale. Parmi celles-ci, la famille Geoffroy, originaire des Grands-Fonds de Sainte-Anne. Le Gwoka – qui s’appuie sur le triptyque tambour, chant et danse – accorde une large place à la voix. La famille Geoffroy est spécialisée dans les chants de veillées et du bouladjel – percussions vocales.
 

Astor Piazzola et Nadia Boulanger : le savant et le populaire dans la création musicale

La musique du compositeur et bandonéoniste argentin Astor Piazzolla (1921-1992) a suscité, auprès de critiques, musiciens et chercheurs, d’innombrables commentaires sur le rapport particulier qu’elle établit entre musique populaire urbaine et musique savante. Si ces constantes, et souvent contradictoires et polémiques remarques, montrent bien que sa musique se heurte sur ces classifications – semblant même parfois les mettre en question –, ce rapport n’a pourtant jamais été le sujet central d’une recherche musicologique.

Le Son Jarocho, un genre musical à Veracruz, Mexique

Tunisienne de culture musicale européenne et méditerranéenne, j’ai eu l’impression, la première fois que j’ai écouté du son jarocho du Mexique, d’écouter un air de stambeli de Tunisie. C’était durant le concert du groupe de danses folkloriques de la Maison du Mexique. Ce travail a démarré à la suite de cette soirée à laquelle j’ai assisté à la Maison du Mexique de la Cité Internationale Universitaire de Paris, en 2001.

Facture et jeu de la cithare qin sous la dynastie des Tang

En ayant pour objet un des instruments les plus représentatifs de la civilisation chinoise, dont la pratique repose à la fois sur une tradition écrite et orale, la présente recherche s’inscrit dans le champ de l’ethnomusicologie. Le corpus d’étude est constitué principalement de deux catégories de sources : les poèmes de l’époque Tang évoquant le qin et le traité Tang Chen Zhuo zhifa 唐陳拙指法 (Techniques de jeu [du qin] par Chen Zhuo des Tang).

Les formes d'appropriation dans la musique savante chilienne, XXe-XXIe siècles : transfert culturel, acculturation, métissage

Cette thèse se focalise sur l’étude de quatre compositeurs chiliens contemporains de la seconde moitié du XXe siècle/début du XXIe (Cirilo Vila, Sergio Ortega, Patricio Wang et Andrés González), dont l’échelonnement générationnel permet d’embrasser un demi siècle de musique, et ayant pour dénominateur commun le fait d’avoir mené des carrières dans l’espace « euro-latinoaméricain ».

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Influences étrangères dans la musique contemporaine des artistes chinois exerçant ou ayant exercé en France, en Allemagne et aux Etats-Unis

La musique contemporaine chinoise (« New Wave » ) est une musique qui mêle la technique du XXe siècle de la musique occidentale et les éléments traditionnels chinois. Elle n'est ni l'une, ni l'autre. En musique contemporaine chinoise, 1+1=3 , ce qui signifie que deux cultures qui fusionnent donnent naissance à une troisième culture. Elle commence au début des années 80, juste après la révolution culturelle en Chine, à l'époque de Tan Dun .

Le jazz symphonique - Harmonie et spatialité

Cette recherche, en lien avec mes activités de pianiste, compositrice et chef d’orchestre, porte sur l’élaboration de l’œuvre de jazz symphonique. Le jazz symphonique a représenté un hybride musical et un terrain de recherche autour de l’espace sonore de l'orchestre. Il a été à bien des égards un précurseur dans l’exploration des possibilités pour créer une musique dans laquelle les approches et les préoccupations jazz et savantes entraient dans une dialectique productive.

LES DYNAMIQUES RACIALES DANS LA PRODUCTION DE MICHAEL JACKSON (1979-2001) : aspects commerciaux, musicaux et visuels

Michael Jackson a contribué à briser les barrières raciales, mais les dynamiques de transversalité qu’il porte dépassent ce seul clivage et constituent un brouillage simultané de tous les codes. Elles œuvrent aux limites de la subjectivité en mobilisant des carcans identitaires jusque-là distincts ou opposés et interrogent l’identité et l’altérité au travers de la portée historique et paroxystique de la star.

Les airs sérieux, témoins d'une évolution du langage musical dans la France de la seconde moitié du XVIIème siècle : le cas de Sébastien et Charles le Camus

Cette thèse concerne la tentative de construction ce que l’on appelle "Nouveau système". Cette méthode est en cours d’élaboration, avec une certaine discrétion, principalement au Conservatoire central de Pékin. Ce "Nouveau système", qui semble s’inspirer de trois méthodes actives européennes (méthodes Dalcroze, Orff et Kodaly), cherche une voie adaptée à la situation de l’enseignement chinois actuel. Cela fait partie de la « réforme du système éducatif d’Etat » du gouvernement chinois.

Conception musicale et enjeux esthétiques dans les relations entre les écritures instrumentale et électroacoustique chez Pierre Boulez

Cette recherche de thèse vise à reconstruire des éléments de genèse de la composition électroacoustique de Pierre Boulez dans les années cinquante à travers l’étude d’esquisses et de manuscrits conservés au Paul Sacher Stiftung. Notre thèse s’est fondée sur deux approches complémentaires : la reconstitution du contexte musical, esthétique et historique et l’étude des esquisses. Dans la Partie I, nous avons tout d’abord examiné les Fonds Pierre Schaeffer afin de retracer le déroulement du premier stage de musique concrète au GRMC.

Conduites d’écoute et expérience du temps dans les musiques électroacoustiques : Chat noir d’Elizabeth Anderson.

Le XXe siècle a vu le développement de l’intérêt pour le temps et son organisation par les compositeurs. Ce sont peut-être les musiques acousmatiques qui s’éloignent le plus de la conception classique du temps musical et de la musique. Comment écouter ce genre de musique, dont les sons parfois incongrus évoquent souvent des objets et des environnements « réels » ? Le fait qu’ils déplacent dans un espace similaire au nôtre implique-t-il une expérience différente du temps pour l’auditeur ?

Les tendances de la musique mixte en France depuis 1981

La musique savante occidentale a toujours bénéficié des avancés technologiques disponibles dans chaque époque. L’influence de ceux-ci s’est révélée au niveau de la facture instrumentale ayant comme conséquence d’abord, l’élargissement du langage musical et compositionnel et, par la suite, demandant de l’instrumentiste un travail d’adaptation à des nouvelles techniques de jeu et d’interprétation. Le rapide développement technologique qui a marqué le XXe siècle, a poussé cette situation à des limites jusqu’alors inconcevables.

Jouer Paganini au piano: Transmutation de son œuvre dans les arrangements et variations de Franz Liszt, Ferruccio Busoni, Ignaz Friedman, Mark Hambourg et Michael Zadora

Niccolò Paganini eut des héritiers pianistes qui arrangèrent plusieurs de ses œuvres pour leur instrument. Ce changement du medium fut accompagné, conformément a la nature des arrangements et des variations du 19e et du début de 20e siècle, par des importantes transmutations textuelles.  La présente recherche examine d’abord les opérations effectuées dans la transformation des œuvres constituantes le présent corpus. Ensuite, elle cherche des solutions interprétatives en définissant les topiques musicaux que les œuvres révèlent. 

Etude comparative des approches créatrices et technologiques au Groupe de Recherches Musicales à Paris et à l'Elektronmusikstudion à Stockholm (1965-1980) : deux directions artistiques différentes à partir d'une idée commune

La thèse en question trace un parcours comparatif sur les approches créatrices et technologiques qui ont été développées au GRM (Groupe de Recherches Musicales) et à l’EMS (Elektronmusikstudion) de 1965 à 1980. Cette recherche vise à étudier les interactions principales entre les concepts musicaux des pionniers des musiques électroacoustiques en France et en Suède, Pierre Schaeffer et Knut Wiggen et l’évolution des directions artistiques au sein de leur institutions.

Dans l'atelier de Claude Debussy. Processus créateur et méthodes de composition dans les esquisses des dernières œuvres, 1915-1917

L’objet de cette thèse consiste à décrire le processus et les techniques de composition utilisées par Claude Debussy à la fin de sa vie. À partir d’une réflexion préliminaire sur la situation et les conditions des pratiques compositionnelles de Debussy, plusieurs éléments du processus créateur et un certain nombre de techniques de composition peuvent être illustrés, en se fondant sur une analyse des esquisses qui conservent la trace du travail créateur. Ces dernières prennent la forme de ratures, interprétables grâce aux outils que fournit la critique génétique.

This dissertation describes the compositional process and the techniques used by Claude Debussy at the end of his life.  Starting from a preliminary thought on the status of Debussy’s compositional practices, several features of the creative process and some compositional techniques may be highlighted, by analysing the sketches which record the traces of the creative work.  These traces appear as crossings-out, which can be interpreted with the tools given by the genetic criticism.


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